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JE NE SERAI PLUS JAMAIS
VIEILLE
de Fabienne Perineau
mise en scène Jean-Louis
Martinelli
|
****
Théâtre des Mathurins
Tel
01 42 65 90 00
|
La pièce de Fabienne Périneau est, par essence, non critiquable
car son texte dramaturgique est avant tout un monologue intérieur
prêt à susciter toutes les empathies solidaires mais
également, voire surtout, un manifeste militant destiné à
éveiller les consciences sur le sort des femmes
dépossédées d’elles-mêmes par des compagnons
dominateurs et intransigeants.
Pour sa création, au Théâtre des Mathurins, la mise
en scène de Jean-Louis Martinelli visualise l’enfermement
psychologique progressif à l’aide de panneaux coulissants, laissant
de moins en moins de place au seul refuge d’Adèle, à savoir
son rocking-chair dans lequel elle se balance toute la sainte
journée.
Mais voilà soudain que son époux doit s’absenter durant
trois jours pour des raisons professionnelles.
Le monologue récurrent va alors avoir l’opportunité
de se transformer en confidences intimes auprès de Luba, la femme
de ménage, disposée à l’écoute de sa patronne
désemparée et même, à l’insu des deux femmes,
à un transfert psychanalytique !
La problématique théâtrale étant ainsi posée,
reste à savoir s’il faut l’interpréter comme une
parabole métaphorique ou bel et bien comme un témoignage
psychosocial quasi réaliste ?
Car, à l’instar du rocking-chair, il faut dire que
l’entendement balance d’un point de vue à l’autre,
en passant aisément de la « victimisation » à
la « schizophrénie », sans jamais être sûr
de pouvoir poser le juste diagnostic faute de connaître objectivement
l’ensemble de cette situation psycho-conjugale, forcément
spécifique.
Alors de deux choses l’une, soit l’on suit fidèlement
l’auteur dans sa démonstration compassionnelle, sans se poser
d’autres questions, soit l’on s’interroge concrètement
:
« Comment est-il possible d’avoir effectué des
études supérieures poussées, d’en avoir acquis
un métier libéral créatif dans une grande autonomie
de conception et de pensée par soi-même pour, peu à peu,
basculer du côté de l’inertie en sombrant, suite aux affres
de l’amour passionnel possessif, dans un asservissement total et un
déni de soi intégral précédant une immense
détresse morale ? »
Il y a nécessairement de la pathologie lourde quelque part, cela
le spectateur en est convaincu mais de là à décréter
d’emblée, sans autre analyse, que, médicalement et
juridiquement, le mari incarne le mal absolu à lui seul, il y a un
pas que, malgré les convictions induites par le récit, les
seuls éléments rapportés par Adèle, ne permettent
pas de franchir sans une connaissance plus approfondie de l’histoire
de ce couple.
Alors, enquête psychosociale ou parabole ?
Choisissons donc délibérément la seconde et
plaçons-nous sur un plan artistique beaucoup plus confortable. Ainsi,
nous pouvons confirmer que la performance de Christine Citti est absolument
remarquable. Quant au texte de Fabienne Périneau, il a l’immense
mérite de sensibiliser le spectateur, avec tact, à une
tragédie relationelle, à la fois fréquente mais souvent,
effectivement, bien dissimulée.
Theothea le 23/10/14
|
LE DINER DE CONS
de Francis Weber
mise en scène Agnès
Boury
|
****
Théâtre de La
Michodière
Tel
01 47 42 95 22
|
Ils ont osé s’approprier, pour une énième reprise,
la pièce cultissime de Francis Weber et, de toutes évidences,
ils ont eu bigrement raison.
D’abord, Agnès Boury a eu l’intuition de
l’humilité face à ce chef d’oeuvre patrimonial, en
réalisant une mise en scène fidèle à l’esprit
et au texte originaux.
Ensuite, le tandem composé par Patrick Haudecoeur et José
Paul s’avère être une véritable rencontre au sommet
de l’art théâtral.
Ces deux acteurs, par ailleurs, eux-mêmes metteurs en scène
de grande expérience au service de la comédie, constituent,
de fait, une référence pérenne du divertissement à
la française de très haute qualité.
Et pourtant, ils ne sont pas encore connus du grand public car, constamment
sur les planches depuis le début de leurs carrières respectives,
ils n’ont pas eu, jusqu’à ce jour, l’opportunité
médiatique de succomber aux sirènes de l’audimat.
Et d’une certaine façon, c’est tant mieux pour le
Théâtre qui bénéficie conséquemment de
leur disponibilité actuelle en se régalant de leur parfaite
complémentarité.
A ce jeu de rôles, d’ailleurs quasiment inconcevable à
inverser, Patrick Haudecoeur est donc forcément le Pignon de service
et José Paul ne peut être que le Brochant
« con »descendant.
Cette évidence amènerait aisément à induire
que le duo Lhermitte-Villeret au cinéma n’aurait d’égal
que celui de Paul-Haudecoeur au Théâtre.
Dans les deux cas, sans jamais forcer leurs interprétations mais
simplement en s’adaptant aux codes techniques spécifiques de
l’écran d’une part et des planches d’autre part, les
deux duos apparaissent comme en état de grâce, l’un
définitivement gravé sur la pellicule du 7ème art,
l’autre remettant chaque soir leur complicité professionnelle
au service d’un savoir-faire exceptionnel !
Au rendez-vous de la Michodière, l’élégance
distanciée de José se reflète dans la tendresse gaffeuse
de Patrick et de cette précieuse alchimie semble s’épanouir
la jubilation mutuelle de se percevoir réciproquement comme le sosie
radicalement opposé du partenaire.
Cependant parmi les rôles secondaires gravitant en faire-valoir
assumés comme tels, Grégoire Bonnet réussit à
provoquer un véritable électrochoc en osant, lui, le surjeu
et, ainsi, à tirer son épingle d’un jeu pourtant largement
dédié à nos deux comparses… poursuivis par leur
destinée momentanément indissociable.
A voir et à revoir par tous… notamment par l’ensemble
des aficionados anticipant les répliques et connaissant la pièce
par cœur !
Theothea le 24/10/14
|
LA
COLERE DU TIGRE
de Philippe Madral
mise en scène Christophe
Lidon
|
****
Théâtre Montparnasse
Tel
01 43 22 77 74
|
Depuis deux mois qu’ils sont en piste au Théâtre
Montparnasse, Georges Clemenceau et Claude Monet ne sont pas prêts
à troquer la peau de l’amitié pour celle de la
notoriété, fût-ce au prorata de l’exposition des
nymphéas à l’Orangerie !
Et pourtant, telle est bien l’origine de la colère du Tigre
qui s’était porté garant d’un considérable
investissement de l’Etat afin de parvenir à réaliser ce
magnifique projet artistique alors que concomitamment le peintre impressionniste,
lui, se sentait peu à peu perdre la vue, au point de ne plus pouvoir
discerner les couleurs.
Face à cette problématique pathologique, l’enjeu ne
serait pas tant la fidélité de la parole donnée que
le renoncement devant le handicap.
Et donc s’il devait y avoir « colère »,
celle-ci ne serait que feinte et stratégique car, en définitive,
« l’on ne devient vieux que si on le décide ».
Ainsi, Clemenceau n’aurait eu qu’un seul but, celui de maintenir
motivé son ami de longue date, en le forçant à admettre
que le déni de sa dégradation oculaire pourrait fort bien lui
faire retrouver une partie de sa vision potentielle, en tout cas, suffisamment
pour terminer la réalisation de ses immenses panneaux attendus, depuis
des mois, aux Tuileries.
Et c’est effectivement ce qu’il va advenir en rendant enfin
ces deux amis, sereins face aux échéances du grand âge
!
Mais avant que de parvenir à l’accomplissement de leur vie,
il leur restait à tous deux, le temps de la subtile pièce de
Philippe Madral, à parcourir encore quelques étapes de la carte
du Tendre, les plus belles, celles où l’abandon des défenses
face à l’être aimé ou même simplement celui
qui vous écoute, se présente comme le plus beau des cadeaux
du ciel.
Deux femmes, en l’occurrence l’une éditrice, l’autre
gouvernante, vont constituer ce véritable relais du coeur qui en apprend
plus sur les résonances de l’amour que toutes les théories
démonstratives généralement admises.
Bref, à quatre comédiens sur la scène du
Théâtre Montparnasse, ils vont re-jouer toute la palette des
sentiments amoureux lorsque ceux-là ne se trompent point sur le temps
décompté qu’il reste pour ressentir cet étrange
agrément tellement confus et pourtant si bien partagé par
l’espèce humaine.
La mise en scène de Christophe Lidon est à l’unisson
de cette belle rencontre au sommet de leur art que Claude Brasseur et Michel
Aumont savourent en maintenant un constant détachement dans leur
interprétation au point de rendre tangible ce basculement sans cesse
possible entre ce qui les rattache aux forces de vie et ce qui tente de les
en éloigner.
A leur tour, Sophie Broustal et Marie-Christine Danède incarnent
leurs rôles avec un tel naturel confondant que serait débusquée
toute tentation saugrenue de posture… en imposture hors sujet.
Dans cette villa vendéenne au bord de l’Atlantique, les quatre
comédiens ont rendez-vous chaque soir avec cet impressionnisme rendant
quasiment transparents les sentiments de chacun au sein d’un décor
(Catherine Bluwal) pictural imaginaire respirant lui-même, en phase
pastel translucide, ce même trouble vertigineux : L’excellence
saluée par le public !
Theothea le 05/11/14
|
SI ON RECOMMENCAIT
de
Eric-Emmanuel
Schmitt
mise en scène
Steve Suissa
|
****
Comédie des Champs Elysées
Tel
01.53.23.99.19
|
Eric-Emmanuel Schmitt est un adepte des entre-deux non identifiés,
tel que le serait le purgatoire, permettant à ses personnages de
s’interroger sur le sens à donner au passage mystérieux
de la vie vers l’au-delà et vice versa.
Ainsi, par exemple, son « Hôtel des deux mondes »
faisait sas de décompression, dans les deux sens, entre Ciel et Terre
!
Étrangement à La Comédie des Champs-Elysées,
la duplication de Michel Sardou avec son double Félix Beauperin quasi
clonique si ce n’est le décalage de la jeunesse à la
maturité, pourrait relever de ce même phénomène
supranaturel.
En effet, les deux Alexandre, junior et senior, vont se retrouver en face
à face dans la maison de leur grand-mère tout en
n’étant visibles et audibles qu’à eux-mêmes
!
Ce lieu de rendez-vous familial va donc constituer un espace-temps secret
partagé à deux où la réflexion sur la destinée
va devoir faire des choix de vie, de carrière, et d’amour, alors
que ces derniers ont déjà été vécus plusieurs
dizaines d’années auparavant.
Le destin serait-il donc écrit à l’avance, sans que
l’on puisse y apporter la moindre modification ou relèverait-il
au contraire d’une conscience en liberté d’élaborer
le meilleur pour elle-même ?
A l’instar d’une master class où, de
l’élève au maître, la dialectique personnelle serait
en quête de pragmatisme vis-à-vis des différentes options
s’offrant à l’avenir du jeune homme, sa démarche
interrogative va se trouver confrontée à des êtres de
chair et d’affect ayant tous de bonnes raisons de vouloir
l’influencer.
Le vécu d’Alexandre va ainsi croiser celui de quatre femmes,
en premier lieu Mamie Lou, la grand-mère chérie à
l’affection pleine de bienveillance à l’égard de
son petit-fils retrouvé pour la circonstance, suite au choc d’un
carillon tombé sur le crâne d’Alex senior !
Quant aux trois autres, Betty, Cassandre et Moira, elles sont jeunes,
belles et se partagent l’amour d’Alex junior ou plus exactement
voudraient chacune ne l’avoir que pour elle-même !
On le comprend aisément; ainsi, le « revenant »
Michel Sardou est aux anges, ceux d’Eric-Emmanuel bien entendu ayant
confectionné au chanteur comédien un paradis à sa mesure
!
Félix Beauperin, lui le double junior d’Alexandre ainsi que
faire-valoir du senior, est une véritable révélation
pour tous !
Quant à leurs quatre partenaires féminines (Anna Gaylor,
Dounia Coesens, Florence Coste & Katia Miran), elles ont toutes des
rôles bien différenciés leur permettant de séduire
chacune à leur tour, l’Alexandre de maintenant et celui d’avant
!
Michel Sardou a bel et bien trouvé son Pygmalion des planches;
ainsi l’artiste peut apparaître heureux comme l’amoureux
en plein épanouissement de sa libido !
Theothea le 09/11/14
|
LA DANSE DU DIABLE
de
&
par Philippe Caubère
|
****
Théâtre de
L'Athénée
Tel
01 53 05 19 19
|
« Une chaise, un banc et un chiffon » : L’Art
du Théâtre réduit à sa plus simple abstraction
mais aussi de fait à sa plus grande expression !
Trente trois ans après sa création en Avignon, le diable
revient avec sa danse originelle et pour la première fois à
L’Athénée où ce spectacle fondateur n’avait
jamais réussi à être joué, à
l’époque !
Ainsi, à l’âge de la maturité, Philippe Caubère
revient aux sources après avoir visité tout le parcours de
sa formation artistique dans un premier temps quasiment sous forme de
« happening » pour ne pas dire « stand
up » puis ensuite en gravant le texte de manière
structurée et pérenne !
A ce moment de sa carrière, l’auteur-acteur invite
d’ailleurs tous ses jeunes « collègues »
et autres compagnies à s’emparer de ses textes ainsi mis à
disposition (constitués principalement par « Le roman d’un
acteur » & « L’homme qui danse »)
pour en faire autant de performances atypiques, originales et surtout très
drôles !
D’ailleurs lui-même, en quelque sorte, donne l’exemple,
en même temps qu’un signal fort, en actualisant sa propre
création selon une silhouette bien affinée et une grande forme
physique tout en démontrant, s’il le fallait, que le public jeune
et branché est plus que jamais au rendez-vous à l’instar
des nostalgiques de ces années-là…. elles-mêmes
toujours à la mode !
En suscitant des vocations, l’acteur donne également toutes
ses chances à l’auteur de passer à la postérité,
ce qui bouclerait complètement son projet pharaonique
d’épopée des temps modernes, à la fois assumée
dans une subjectivité totale et paradoxalement véritablement
universelle, tant chacun aurait en soi quelque chose de Ferdinand.
Effectivement toute la saga des Claudine la mère envahissante,
Micheline la professeur de Théâtre sensuelle, Bruno le nouveau
Gérard Philipe, Johnny Hallyday déjà l’idole des
jeunes, le Général de Gaulle en commandeur épaulé
par le duo inénarrable Mauriac-Malraux, idem avec Sartre et Gaston
Defferre etc…. défile dans ce 1er tome des aventures et autres
tribulations d’une enfance choyée mais d’une adolescence
contrariée à la croisée des fifties et des sixties.
Philippe Caubère est, comme à l’accoutumé, funambule
de ses pérégrinations vivifiées dans le rond de
lumière éclairant sur scène le saltimbanque faisant
son numéro… tout à la fois si stéréotypé
et paradoxalement tellement subtil et brillant !
L’ovation au bout de trois heures et demie de spectacle interrompu
par un entracte est à la mesure de la reconnaissance sans cesse
grandissante que le public a à l’égard de ce génial
passeur renvoyant en miroir le miracle chorégraphique de
l’intelligence humaine confrontée à sa candeur
pathétique !
Theothea le 14/11/14
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