avecMichel Favory, Véronique Vella, Éric
Génovèse, Florence Viala,Julie Sicard, Loïc Corbery, Nicolas Lormeau,
Adeline d'Hermy, Jérémy Lopez, Sébastien Pouderoux,
Anna Cervinka, Rebecca Marder, Julien Frison et les comédiens de
l’académie de la Comédie-Française Vianney Arcel,
Robin Azéma, Jérémy Berthoud, Héloïse Cholley,
Fanny Jouffroy, Emma Laristan
Certes, la perspective de voir et revoir cette pièce de Tchékhov
est, à chaque fois, un plaisir récurrent inextinguible.
Savoir qu’un metteur en scène s’est à nouveau
impliqué pour en extraire une intimité subjective qui, en retour,
fera écho aux versions précédemment appréciées,
est en soi un agrément à nul autre pareil.
Car « La Cerisaie », c’est toute la nostalgie
d’une époque s’apprêtant, qu’on le veuille ou
non, à faire place nette à une autre vie… peut-être
plus prometteuse mais en sachant pertinemment que l’on y perdra sans
doute ce qu’il y a de plus cher… ce à quoi on tenait par-dessus
tout.
Et à chaque fois, cet enjeu s’esquisse avec la personnalité
des comédiens forcément investis au plus profond
d’eux-mêmes selon une mise en scène qui accentuera, selon
sa palette spécifique, telle ou telle dimension émotionnelle.
Loin de toute surenchère des sentiments, Clément
Hervieu-léger cherche, lui, à atteindre l’évidence
naturelle, en s’appuyant sur le ressenti des personnages, pour construire
des êtres en osmose avec leur destinée assumée.
Cette volonté de justesse de ton est communicative avec celle de
la créativité mise au service de cette production à
la Comédie Française au travers de tous ses talents artisanaux.
Ainsi en est-il du décor à juste titre très explicite
dans les intentions de ses concepteurs souhaitant d’une part faire lien
entre intériorité et extériorité, d’autre
part laisser l’expression libre à tous les possibles qui
surviendraient au fil des répétitions.
Faisant, par exemple, le choix d’une rusticité de bon aloi,
le bois et la teinte vert/bleu font dominante avantageuse d’un tel dessein
en élevant une sorte d’écran charpenté au premier
tiers de la profondeur scénique.
Durant une période transitoire, une partie de cette applique frontale
s’ouvrira sur elle-même, telle une porte sur ses charnières,
afin de découvrir la totalité de cette profondeur de champ
laissée à cet instant disponible pour la fête organisée
lors du retour attendu de Lopakhine qui s’était absenté
pour cause de mise aux enchères de la maison avec sa cerisaie.
Le bal champêtre qui y est improvisé se présente comme
le temps fort de cette réalisation en entraînant momentanément
les esprits et les cœurs loin de toutes les contingences convoquées
au sein de ce milieu aristocratique en voie de déchéance.
De fait ce décor, faisant la part belle aux signes reconstituant
notamment toute la généalogie de ceux qui y vécurent
à travers photos, tableaux et autres objets muraux, se présente
comme une avancée montant très haut vers les cintres, davantage
à la manière d’une grange réhabilitée
plutôt qu’une d’une maisonnée élaborée
autour d’un chaleureux âtre domestique.
Ce parti pris scénographique éminemment respectable n’est
pas pour autant en mesure de suggérer, de manière palpable,
l’affectivité qui pourrait relier intimement chacun des protagonistes
à son vécu rural dans ce havre protecteur.
Il en résulte une forme de distanciation virtuelle que chacun pourra
exprimer en se recentrant sur le texte à incarner parmi ses acolytes
familiaux.
Disons que l’intensité ressentie aura tendance à venir
essentiellement de la nostalgie évoquée face à la peinture
évocatrice de la cerisaie exposée plein centre plutôt
que d’un réel rapport charnel à l’ensemble du lieu
ainsi élaboré de manière exclusivement symbolique.
Cependant les comédiens du Français sont bel et bien au
rendez-vous du geste artistique permettant à Tchekhov de s’y
sentir bien chez lui.
Faisant équipe, leurs liens de connaissance réciproque
d’autant plus renforcés durant les périodes de confinement
(en raison paradoxale de leurs multiples projets de vidéos
numériques), font choc convivial avec cette dynastie russe qui nous
est si familière.
Dans une superbe dualité au sommet, Florence Viala et Loïc
Corbery oeuvrent à pleine crédibilité au charme
évanescent prêt à se dissoudre en direct sous les
sirènes du profit escompté.
De la même façon, au fil de la lutte contradictoire que s’y
mènent l’oisiveté factuelle, le déficit culturel
et l’appel au travail, l’ensemble de la distribution contribue
aux particularités savoureuses imprégnées dans cette
œuvre ultime du dramaturge russe au soir de sa vie pour en faire un
fleuron patrimonial qui ne cessera jamais d’être
plébiscité sur toutes les planches du monde aspirant au
surcroît de civilisation.
Pour un retour en présentiel sur les gradins d’un
Théâtre, la mise en scène d’Alain Françon
est un véritable régal impressionniste.
Celui qui est passé, il y a quelques mois, au plus près
des affres d’une agression criminelle gratuite, donnant en retour à
la saveur de la vie une profusion de sensations contradictoires dont il
résulte une appréciation indicible de l’instant présent,
indique que la maturation et l’élaboration de son travail artistique
se sont poursuivies tout au long de sa période de convalescence durant
laquelle la pièce de Marivaux non seulement ne le quittait pas des
yeux mais de surcroît lui servait de soutien mobilisateur.
Il est en effet aisé de comprendre que la subtilité et
la richesse du langage dont Marivaux exploite tous les interstices afin de
ne rien ignorer du moindre affect pouvant laisser un doute planer au-dessus
de la mêlée des ressentiments avant même celle des sentiments,
puissent paradoxalement séduire un lecteur devenu vulnérable
face à la succession d’inflexions contradictoires défilant
devant son regard médusé sans que la raison puisse avoir les
coudées franches pour oser intervenir.
Ainsi rien ne serait vraiment déterminant mais tout signe compterait
en permanence…notamment en amour et en amitié comme dans la vraie
vie prosaïque !
Le rapport de forces incontrôlées ou incontrôlables
dans les destinées humaines serait tel qu’en s’appuyant
dessus plutôt qu’en feignant de l’ignorer, permettrait
d’anticiper la désillusion afin de mieux profiter de la moindre
ouverture vers la reconstruction… en perspective de résilience:
Ainsi La Marquise (Georgia Scalliet) & Le Chevalier
(Pierre-François Garel), comme voisins de circonstance affligeante,
l’une puisque récemment veuve l’autre parce que passé
à un « chouïa » du Grand Amour, se retrouvent
quasiment en tête à tête, dépités par le
sort injuste fait à leur trop grande sensibilité,
jusqu’à induire l’extrême susceptibilité.
Flanqués tous les deux de domestiques d’autant plus
zélés que leurs propres intérêts amoureux devraient
être liés à ceux de leurs maîtres respectifs dont
ils seraient avant tout les confidents, tous ainsi obéissent aux
règles et usages d’une carte du tendre dont personne ne détient
les secrets et les caprices formels.
Disons que la Marquise et le Chevalier seraient, chacun de leur
côté, prêts à accepter du réconfort venant
de la part de quelqu’un ayant pu également ressentir la souffrance
d’être laissé-pour-compte de l’amour.
Aussi l’amitié leur paraît un excellent compromis pour
épancher réciproquement ce trop-plein de douleur affective
contenu.
Cependant un tiers va rapidement s’imposer à leur liaison
de fortune tel l’empêcheur de tourner en rond alors même
que Lisette (Suzanne De Baecque) et Lubin (Thomas Blanchard) se mêlent
déjà beaucoup de compliquer les motivations
entrecroisées.
De fait, ce comte (Alexandre Ruby) lui n’a aucun doute sur l’amour
qu’il porte à La Marquise pour la faire revivre au mieux de ses
potentialités mais toutefois les convenances et le savoir-vivre le
portent néanmoins à respecter les desseins de chacun des autres
protagonistes.
Il ne resterait plus alors qu’à introduire Monsieur Hortensius
(Rodolphe Congé), philosophe pédant, pour brouiller
définitivement tous les plans stratégiques que chacun aurait
pu concevoir et mettre peut-être ainsi un terme définitif à
tous les espoirs secrets en latence jusqu’à en provoquer
l’impasse.
Dans ce jeu de bataille entre Amour & Amitié, tout se passerait
comme si chacun, au moment de tirer la carte qui lui serait favorable, se
dressait radical un mur d’incompréhension collective où
finalement la jalousie et les vanités auraient beaucoup à
perdre.
Qu’Alain Françon, à cet instant de sa vie où
tout lui a paru basculer du mauvais côté de la force, ait pu
s’accrocher de toute son énergie à ces « pour
un oui, pour un non » que rien ne semble différencier mais
que tout, au contraire, justifie au plus haut point, comme cet art de vivre
dans l’intensité de ce qui ébranle le corps et l’esprit
afin de les vivifier et les rendre à nouveau apte à la
dignité du sentiment juste.
Marivaux excelle à ce travail d’écriture au scalpel;
Alain Françon lui emboîte le pas en y apportant la distanciation
apaisante et surtout beaucoup d’humour salvateur qu’il sait communiquer
avec bonheur à ses six interprètes arborant tous aisance et
véracité.
Théâtre, Cinéma et vidéo sont désormais
de plus en plus sollicités ensemble au sein du spectacle vivant qui,
en plus de se les approprier comme outils d’expression, ne cesse de
faire progresser leur intrication jusqu’à susciter de nouvelles
formes d’art du spectacle ayant leur propre langage.
A la suite de déjà de nombreuses créations fort
remarquées, Cyril Teste s’est quelque peu spécialisé
dans ce domaine audiovisuel à l’appui du groupe MxM dont il est
co-fondateur.
Avec cette « Mouette » développée en
temps de pandémie, la perception implicite et explicite du spectateur
est soumise à de tels flux subliminaux qu’arrive nécessairement
durant la représentation le moment où celui-ci se dit:
« Il faudra que je revoie ce spectacle, car je m’aperçois
que tels ou tels paramètres m’ont échappé depuis
le début ».
En effet, confiant dans l’expérience acquise avec ces nouveaux
moyens technologiques, il pourrait apparaître fallacieusement au public
désormais initié, que tout ait été déjà
exploité dans les réalisations déjà vues
précédemment… mais Cyril Teste est là pour faire
mentir cette impression surfaite.
Néanmoins, on pourrait dire qu’au commencement tout semble
simple voire simpliste, une ou plusieurs mini caméras vidéos
reliées par câble à une régie se déplacent
en suivant des acteurs dans un ballet parfaitement synchronisé afin
de faire apparaître sur des écrans plus ou moins spacieux
disséminés dans un décor structuré à dessein,
des images zoomant ou dé-zoomant sur l’action théâtrale
en temps réel se déroulant à vue d’oeil sur cette
même scène.
Ce « b.a.-ba » de l’usage vidéo conjugué
à partir de multiples variantes va effectivement amorcer la mise en
place des personnages de la pièce culte de Tchekhov où certains
comédiens eux-mêmes pourront devenir « cameramen
attitrés » mais cependant vont peu à peu se dessiner
sur les deux espaces symétriques latéraux des gestes, des postures,
des comportements hors-champ identifiés comme tels mais aussi
d’autres moins patents voire décalés.
A la suite, il pourra apparaître que les images numériques
ne semblent plus en adéquation avec ce que l’on discerne des
acteurs en chair et en os, jusqu’à finir par ne plus voir du
tout ceux-ci et à certains moments d’assister à un film
quelquefois en noir et blanc dont les proganistes seraient rejetés
invisibles dans notre inconscient collectif, c’est-à-dire
au-delà de l’image projetée.
Cyril Teste nous prend ainsi à revers de notre perception mise
en difficulté de voir ce qu’elle voit puisque l’action physique
est subtilisée à notre regard sachant pourtant pertinemment
qu’il ne s’agit point de cinéma enregistré à
l’avance mais bien de vidéo en temps réel.
Pour parachever cette expérience mentale et sensorielle, le nec
plus ultra du processus consiste à aménager temporairement
une sorte de lucarne au centre du dispositif scénographique où
peuvent apparaître fugitifs, techniciens, cameramen et acteurs tout
occupés de contribuer à jouer la scène en cours se
déroulant hors notre champ visuel… un peu comme si le spectateur
devenait la chambre noire de l’appareil photographique en témoin
privilégié focalisant les agissements en coulisses.
De la sorcellerie dûment organisée de façon à
faire douter du bien-fondé de la réalité mais en même
temps remettant au centre de la réflexion l’esprit critique du
spectateur pouvant apprécier son degré de connaissance des
intentions tangibles.
Alors évidemment tout cet arsenal pourrait suggérer que
l’œuvre de Tchekhov soit ainsi reléguée à
l’arrière-plan des préoccupations et peut-être
qu’il en est ainsi pour ceux qui, trop absorbés par les
considérations techniques mal assimilées pourraient s’y
perdre.
Il n’en demeure pas moins que le happening vaut d’être
vécu et qu’en apprenant à le décoder, celui-ci
peut devenir une véritable stratégie d’auteur pour mener
une investigation sur plusieurs plans simultanés par exemple, la raison,
l’imaginaire, l’inconscient peuvent s’y confronter à
qui mieux mieux et susciter des ressentis à nul autre similaires.
Sachant que Cyril Teste voit dans « La Mouette » la
possibilité de revisiter le mythe d’Œdipe en mettant en
exergue la relation mère-fils, le réalisateur a décidé
de faire circuler l’interprétation autour de la dualité
pivot Arkadina et Treplev mettant ainsi en point de mire le conflit
amour-haine.
La Mouette est avant tout une pièce sur le processus de création
artistique perçu selon différents angles de connaissance humaine
où l’affectivité, le besoin de considération, la
reconnaissance se disputent l’estime ou non de soi, la rivalité,
le besoin de conquérir en marge d’un avenir confronté
à la nostalgie et où Nature et Culture y dialectisent en toile
de fond.
On comprend aisément que Cyril Teste ait voulu s’y coltiner
avec une distribution parfaitement rodée à cette
déconstruction des personnages mis sous microscope se démultipliant
à l’aveugle… pour notre plus grand bonheur.
La pièce d’Oscar Wilde triomphait à Londres alors que,
déchu de ses droits d’auteur, celui-ci avait été
incarcéré en raison de ses mœurs alors
réprouvés…
L’époque Victorienne étant ainsi à l’origine
du meilleur comme du pire, l’idée d’Arnaud Denis d’en
transposer sa scénographie française vers celle des
« Années Folles » avait tout à gagner en
ne conservant que le meilleur d’un contexte où subtilité,
esprit, jeu de langage auraient la part belle à faire jaillir la folie
hors des convenances.
Fallait-il encore réussir, après ces mois de confinement,
à tordre l’inertie incitant à se contenter du
théâtre à la maison via le numérique !
En suscitant une intimité communicative des comédiens sur
les planches jusqu’aux spectateurs dans la salle, Arnaud Denis se
démultipliait, comme souvent à son habitude, en faisant lien
de sa personne entre réalisation & jeu, entre conception &
interprétation scéniques.
D’emblée, lors de la rentrée de septembre accompagné
d’un équipage flamboyant, le succès fut au rendez-vous
et ne fit qu’embellir pour les neuf artistes réunis lors de chaque
lever de rideau jusqu’à ce soir d’octobre où Arnaud
Denis dut laisser sa place vacante, sans doute définitivement pour
l’année 2021, contraint par un accident domestique lui ayant
cassé le genou.
Le miracle, selon les spectateurs présents lors de cette
représentation improbable, c’est que le comédien qui le
remplaça au pied levé n’en connaissait pas le rôle
et fit donc sa prestation texte à la main sans autre filet de
protection... pour être en définitive acclamé à
tout rompre aux saluts.
Trois semaines plus tard celui-ci évolue plus que jamais comme
un poisson dans l’eau et paraît être tellement en osmose
avec ce rôle qu’il semblerait en être le détenteur
choisi initialement par le metteur en scène avec qui, il faut le dire,
il a quelques ressemblances.
Bref, s’il fallait accorder des Molières à cette
création pour la cérémonie 2022, Jeoffrey Bourdenet
(à l’affiche conjointement de « 12 hommes en
colère ») ne serait pas le dernier de ceux qui
mériteraient mais il faut dire que ses compagnons de scène
sont tous raccord pour un triomphe.
Évidemment, la magistrale Evelyne Buyle atteindrait en toute
légitimité ce Graal mais Olivier Sitruk est si désopilant
et Delphine Depardieu tellement malicieuse qu’Arnaud Denis n’a
aucun souci à se faire, la trajectoire de sa mise en scène
enjouée n’a pas décroché d’un iota de son
orbite nominale et, même mieux, elle a acquise, avec ces tribulations,
une dynamique que le public, allègre, plébiscite sans
forcément en connaître ces péripéties.
D’ailleurs Jack & Algernon, les deux amis qui ont respectivement
recours à un prénom d’emprunt pour mieux profiter de leur
double vie de jeune homme, qu’ils se fassent appeler
« Constant » en français ou
« Ernest » en anglais, n’est pas un problème
en soi puisque la confusion qu’ils sèment autour d’eux
s’avèrent être en phase plutôt opportune; cependant
le véritable obstacle à leurs escapades est à rechercher
davantage du côté de la tante Lady Bracknell, prototype exemplaire
de la vieille aristocratie à cheval sur l’ensemble des conventions
anglaises avec lesquelles on ne transige point.
Les échanges sont savoureux comme une tasse de thé que les
années folles auraient catapulté au rayon de la perfidie cynique
la mieux partagée par cette société encore corsetée.
De fait, à défaut d’être un refuge pleinement
garanti, « L’Importance d’être Constant »
est devenu, au diapason du spectacle vivant, une valeur éminemment
sûre.
